许多观众走出影院后感慨，《给阿嬷的情书》的配乐让人倍感舒适：不煽情、不夸张，只是淡淡地流淌着，与画面相融，轻轻叩击着观众的心房。

电影中共有27首配乐出自吴泽华之手。作为影片联合音乐总监、原声音乐主作曲，他用一个词概括此次创作——克制。

2025年底，当吴泽华真正进入创作阶段时，影片已完成多轮剪辑。在深圳看片会后，他与主创团队确立了音乐方向：用更通用的电影音乐语言传递情感，而非刻意铺陈潮汕地域元素。吴泽华说，片中音乐并不刻意凸显潮汕特点，直到后半段才克制地使用潮州大锣等音色作为点缀，“乡土不是这部电影的底色，情感才是。”

为了建立整体框架，吴泽华首先梳理了整部电影的“Cue Sheet”（一份详尽的音乐列表），标注每段音乐的进出点、内容与情感。随后，他创作了涵盖人物与时空背景的多个音乐主题，并在精简后保留了几个核心大主题。

对阿嬷而言，等待已渗透为生活本身。因此，配乐速度舒缓、起伏微小，那些休止与呼吸的间隙，正是“什么也没有发生”的时刻，却让观众清晰地感受到等待和孤独的重量。

全片最大的主题留给了谢南枝，钢琴的清冷颗粒感与木管的温柔气息交织，传递着精神的传承。在演奏时，吴泽华特意关掉节拍器以寻求更自然的动态。这一主题在码头送别、中文班的期盼以及真相揭晓时反复出现，即便在全片编制最大的段落，依然保持克制，营造出宏大却始终细腻的感受。

片中异乡场景的音色设计同样精巧。印度人和泰国警察的段落，采用电子音色的冰冷质感来传递紧张与无力；中秋拜神场景融入潮州大锣，仪式性的神性氛围与纵火威胁的电子音色彼此呼应，在同一组音色中编织出善恶交织的叙事张力。

音乐创作期间，吴泽华与导演进行了反复沟通修改。他记得，一段关于纸飞机的音乐曾改到第11版，“导演对我说得最多的一句话就是‘真心换真心，要以感受为准’。”因此，音乐与画面内敛的风格高度一致。吴泽华希望通过小型编制达到视听统一，让听感更细腻、更具可能性。在他看来，当承受巨大冲击时，人的反应往往不是痛哭流涕或崩溃，而是呆滞或冷静。“如果此时强行加入宏大的音乐，就是在告诉观众‘你该悲伤了’。但在人物自己可能都还没弄清情况、大脑还在思考问题的时候，悲情的音乐是不适合的。有时候恰当的留白，比任何旋律都更真实有力。”

吴泽华出生在汕头南澳岛的一个中医世家。小学时，他羡慕父亲好友的女儿学钢琴，但因家里希望他继承家业而未获同意。到了初一，他以优异的成绩为筹码，终于换来了父母承诺的一台电子琴。他天天在琴上探索，跑去图书馆借乐理书自学，慢慢学会了扒流行歌的谱子并尝试创作旋律。在高中音乐社团里，他得到启蒙老师的指点，加上此前自学的底子，竟顺利通过了钢琴十级考试。随着课业压力增加，他曾将音乐暂时放下，专心读书。但高考填志愿时，他看到上海音乐学院音乐工程系招收普通文理科生，心里的火苗重新燃起，毅然将其填为第一志愿并幸运被录取。进入大学后，他还学习了双排键，大三起跟随安栋教授学习，本科毕业后因成绩优异被保送研究生。

如今，吴泽华已是一名独立的职业音乐人。与电影音乐的结缘则带着偶然与必然。早年他在网上上传作品时，因资料显示为汕头人，被导演郑智敏发现，参与了汕头首部独立电影《鮀·恋》的音乐创作。该片监制正是《给阿嬷的情书》导演蓝鸿春。此后，吴泽华陆续跟随作曲家彭飞参与《港囧》等院线电影制作积累经验，并与蓝鸿春接连合作了《爸，我一定行的》《带你去见我妈》，此次《给阿嬷的情书》已是两人第三度携手。

“本地人写本地的音乐，靠的不是技术，而是本能。”吴泽华以作曲家赵季平的陕北题材创作为例，“赵老师笔下的音乐味道为什么这么对？因为它不是从外面看进去的，而是从心里面长出来的。”但他并不认为本土出身是创作地道音乐的必要条件，“本地身份并非创造力的唯一来源。”他援引日本作曲家梅林茂为例，这位作曲家为中国电影创作了大量极具东方韵味的音乐，“优秀的创作者，完全可以凭借扎实的专业功底与敏锐的共情能力，去书写好任何一个地域的故事。”

在他看来，本地身份更像一条“捷径”——情感与声音记忆都是现成的；非本土创作者需要投入更多时间与心力进入那个世界，但一旦真正进入，同样能交出令人惊叹的作品。吴泽华的音乐之路印证了他自己的话：真正的热爱，不必用力过猛，它自会生根发芽，长成该有的模样。正如他为《给阿嬷的情书》写下的那些旋律——淡淡的，克制的，却一字一句，落在心里最软的地方。

纪晨/文